soyjohnnyrotten

SJR no existe más

noreply@blogger.com (mvc) — Fri, 22 Apr 2005 07:12:00 +0000

SJR ha muerto hace mucho tiempo. Para que no pierdan mas el tiempo este esta guía fundamental de este blog muerto.
Hubieron mas. Pueden fijarse, todavía están. Pero lo esencial, los greatest hits:

1. Crónica de la edición 2004 del Festival de Eurovision.
2. Introducción a Claude Chabrol
3. Public Image Ltd-Live in Tokyo
4. Introducción a Mick Collins
5. Chris & Cosey-Songs of Love and Lust & Cosey Talks
6. Messagero Killer Boy y FJ Ossang
7. Pink Floyd-The Final Cut
8.Japan-Adolescent Sex

De ahora en adelante KYT

noreply@blogger.com (mvc) — Tue, 22 Feb 2005 06:07:00 +0000

operación retorno fase uno

ultimo post

noreply@blogger.com (mvc) — Thu, 30 Dec 2004 22:44:00 +0000

es como
apuñalar a alguien
pero no buscando su muerte
sino el número
exacto de puñaladas
que lo dejen
al borde de la muerte

es un buen momento.
para leer los archivos.

porque.
este blog ha muerto.

pero no yo.
no volveré hasta dentro de varios meses.
pero no volvere aquí.

si sigo.
será.
dentro de algun tiempo.
con otro blog.

noreply@blogger.com (mvc) — Mon, 20 Dec 2004 07:11:00 +0000

Unos meses atrás prometía un “Post Marvel”, es decir, un post sobre los comics de esa editorial y mi relación con ellos. En estos días pienso más en arena y sol que en emprenderme en esa titánica tarea de escritura pero si tenia ganas de hacer esta trascripción del editorial del primer número de Swamp Thing escrito por su guionista, Alan Moore.
Si, ya sé. La editorial de Swamp Thing es DC, pero a los efectos es lo mismo, ya que en este escrito Moore describe muy bien un par de problemas que hubiesen sido parte de mi "Post Marvel", ya que son problemas comunes de ambas editoriales. Problemas que hicieron que yo me terminara desinteresando por el género de superhéroes. Aquí Moore hace una especie de advertencia sobre las particularidades y dificultades que tuvo tratar de adaptar un comic de horror al universo DC.
Estas dificultades se pueden resumir en dos. La primera tiene que ver con el mismo concepto de universo editorial que tienen estos comics. Una idea interesante, rica y revolucionaria, pero que con los años se transformó en una especie mastodónica gran cantidad de información acumulada con las que cada historia nueva debía cargar a sus espadas. Así con los años se generó una especie universo hiper super fantástico (que Moore describe muy bien) en donde las historias se desarrollan. Esto, en mi humilde opinión de fan lateral del género, ha contribuido a hacer perder uno de los encantos principales que este tenia: la convivencia de lo fantastico y sobrenatural en un mundo muy parecido al nuestro. (Es un pajaro, es un avión...)
La segunda tiene que ver con la inserción de todas estas historias (de todo este universo fantástico) dentro de las leyes de mercado que gobiernan nuestro universo. Estas intervienen directamente en las historias, delineado muchas sagas según la popularidad (o falta de) de determinados personajes.
Los seguidores del género saben que estos dos factores están relacionados y actúan en conjunto haciendo desastres de todo tipo en las vidas de los superhéroes.

(Fin de la introducción)

En un siglo repleto de paradojas, una de las más desconcertantes es seguramente el meteorico ascenso del horror como genero en la literatura, cine e incluso música, justo cuando cada día parecemos más conscientes de los horrores de la vida real que nos rodea. Mientras caras de niños desaparecidos nos miran desde envases de leche, las colas para ver la ultima película juvenil de terror dan la vuelta a nuestras manzana. Mientras el virus del SIDA se extiende a través de de la sociedad con estremecedora facilidad, nacido entre la gigantesca ola de ignorancia y prejuicios, las estanterías de nuestras librerías crujen bajo el peso de las plagas que infestan las paginas que deben soportar- ya sean plagas de ratas, babosas, piojos o ciempiés los que impregnen los últimos best-sellers del mercado, como el presentado por Stephen King en su novela "The Stand".
Mientras nubes radioactivas viajan hacia Occidente y las pruebas nucleares inundan el cielo con hongos de humo venenoso, bandas punk consumen la imagineria de las películas de las películas de terror con una violencia y ferocidad que en el mejor de los casos indican un desafió sin esperanza y en el peor un conformismo perverso y nihilista de la situación.
Nos guste o no, el horror es parte de nuestro entorno, de nuestra cultura, de nuestras vidas, nada de lo cual responde a la pregunta de por que una sociedad entera insiste en leer ensimismada "Dracula" mientras muestra su yugular ensangrentada, ¿nos sumergimos en el horror de ficción como sistema de embotar nuestras emociones en la vida real? ¿es alguna especie de inoculación......una pequeña dosis de algo terrorífico con la que esperamos inmunizarnos ante una mayor y mas grave agresión en nuestra vida futura? ¿Puede incluso ser una útil, si no vital, herramienta con la que ser capaces de investigar y comprender los orígenes del horror sin exponernos al daño físico o mental real?

La primera cosa que cualquiera debe comprender al leer un comic de horror moderno es que hay una gran ventaja comercial: el de poder levantar o mantener un comic flojo en ventas con la aparicion especial de una estrella invitada muy popular. En consecuencia, todas las historias producidas por cualquier editor norteamericano tienen lugar preferentemente en el mismo universo imaginario.
Eso incluye a los aventureros enmascarados con trajes de brillantes colores que pueblan los títulos de horror, y los extraños vaqueros que cabalgan desde un título del oeste a uno de ciencia-ficción gracias a un oportuno túnel dimensional. Para aquellos mas familiarizados con la literatura tradicional, intentad imaginar al Dr.Frankenstein secuestrando a una de las protagonistas de mujercitas para sus experimentos médicos, solo para encontrarse perseguido por el equipo de Sherlock Holmes y Hercules Poirot. Estoy convencido que el encanto y el abrumador absurdo de este ejemplo se muestra evidente, igual que en el mundo de los comics: La Cosa del Pantano existe en el mismo Universo que Superman, Batman, Wonder Woman y los demas ciudadanos del cosmos de los Comics DC.
Como dije antes, este enfoque tiene sus encantos y sus absurdos. Lo absurdo es obvio: para funcionar adecuadamente, el horror necesita una delicada y cuidada atmósfera - una capaz de ser arruinada por la repentina entrada de un personaje con mallas verdes y capa de color naranja, especialmente si ese personaje es aficionado a los chistes malos. Los encantos son mas difíciles de encontrar, pero una vez hallados, pueden recompensar el esfuerzo. La continuidad - la pesadilla del profesional en un universo en el que coexisten un millar de diferentes personajes superpoderosos - puede, aplicada con sensibilidad y gracia, convertirse en un rico, fértil y mítico trasfondo con personajes - prototipo fascinante pululando por él, esperando ser elegidos como las uvas en el viñedo.
Si, desde luego, la idea en si misma es algo superficial, pero dejar que eso eclipse sus fabulosas y asombrosas posibilidades es hacerse un flaco favor a uno mismo y al propio genero.
Imaginad por un momento un universo destellante, repleto de razas alienígenas de diferentes clases, desde la trascendentalmente divina a la mas repugnante lovecraftiana. Imaginad un cosmos donde los dioses arcanos aun existieran en algún lugar y donde dimensiones enteras estuvieran habitadas por simpáticos animales antropomórficos. Donde el Cielo y el Infierno fueran reales y accesibles, donde los angeles y demonios caminaran por la tierra con impunidad. Imaginad un planeta donde la exposición a una peligrosa radiación otorgara el don de la supervelocidad en lugar de un cáncer de huesos y donde los cielos estuvieran llenos de hombres y mujeres voladores amenazando con ocultar el sol. Imaginad un lugar donde la gente fuera terriblemente buena o terriblemente mala, sin apenas sitio para los mediocres. No, seguro que no se parecería al mundo en el que vivimos, pero eso no significa que no pudiera ser tan espléndido conmovedor o triste como el.
El otro gran factor que separa el comic de horror de sus más respetados parientes es la duración. Aquí las historias no terminan –al menos no en el modo en que acaban las películas o las novelas. Oh, la amenaza de turno puede ser desviada o derrotada, pero habrá otra más el mes siguiente, sin lugar a dudas. El personaje vivirá indefinidamente hasta que la falta de ventas u otro factor dicte la cancelación del comic. Incluso entones, el desposeído protagonista se encontrará participando como invitado en cualquier otro comic para evitar el olvido total en el limbo. La historia raramente termina, aunque la colección de ese personaje escupa sangre y caiga muerta al suelo.
Así que, a menos que seas lo suficientemente afortunado como para detectar una serie de éxito en sus comienzos o seas lo suficientemente rico como para conseguirte los números atrasados muchos después, puedes encontrarte, al comprar un comic por primera vez, enmedio de ka continuidad de un personaje que comenzó mucho antes de tu nacimiento, y que seguirá probablemente después de tu muerte.

Alan Moore

Japan-Adolescent Sex (1978)

noreply@blogger.com (mvc) — Fri, 10 Dec 2004 07:19:00 +0000

Una vez, hace muchos años, miraba en una Trasnoche Continuada del Canal 4 una teen movie estadounidense de los años 80s, ambientada a fines de los 50s o principios de los 60s, cuya trama se desarrollaba en la ciudad de Nueva York. No me acuerdo de nada de la historia de película salvo de una escena. Los protagonistas se escapaban de clases para ir al cine a ver una película de Elvis. Allí, mientras miraban una escena en donde Elvis -vestido con pantalones de playa blancos, collar y camisa hawaiana, rodeado un montón de jóvenes ñoños y de típicas (pero mas vestidas que lo normal) bailarinas hawaianas - tocaba una guitarra criolla (hacia que tocaba una guitarra criolla) y cantaba (hacia que cantaba) un calypso de lo mas pedorro, uno de jóvenes protagonistas de la película dice indignado:

“¿Qué le pasó a Elvis?. ¿Lo castraron?”

Si uno escucha el primer disco de Japan, Adolescent Sex (1978) y luego escucha el ultimo, Oil on Canvas (1983) uno puede llegar decir lo mismo sobre David Sylvian.

Atento Casco. No estoy queriendo decir que la etapa final de la banda y la posterior carrera solista de Sylvian sea mala ni nada por el estilo. No no no. Nada que ver. Lo único que quiero decir es: ¿Cómo es que esa voz que escupía sexo, arrogancia y joven codicia* se convirtió en ese susurro monótono tranquilizador propio de profesor de yoga japonés?

Japan es una banda difícil de encasillar. En su primera etapa (y la que me interesa en este post) partieron como un gesto tardío de glam rock callejero tipo New York Dolls, que adaptó, ennegreció e hizo creíble el fake funk de Bowie y se termino entusiasmando con su lado arty y vanguardista a la Roxy Music, llevando todo eso a una nueva dimensión. Descripción, como casi todas sobre la banda, que no le hace justicia a su personal estilo.
Es que parece fácil sintetizar a Japan como una suma de cosas, pero no lo es. Cuando creemos que encontramos una ecuación matemática perfecta para describirlos, nos damos cuenta rápidamente que esta es irremediablemente insuficiente o injusta. Sentimos que algo se nos escapa y que precisamente ese “algo” es elemento mas importante y el que convierte a Adolescent Sex sea un disco maravilloso.
Esta idea que torpemente estoy tratando de explicar lo explica mucho mejor que yo Chris Eckman de los Walkabouts:

“Creo que la música es una forma de arte de la que es difícil hablar. Todos sabemos lo que sentimos al escucharla, y que es una experiencia compleja. Es bueno reconocer que gran parte de lo que nos gusta de la música es por sus aspectos inexplicables, ambiguos, misteriosos. Tratar de definirla en términos que podamos comprender es menospreciarla”

Y es eso lo que nos pasa con Japan. Lo que nos parece tan increíble a la hora de escucharlo, nos parece muy banal a la describirlo. Es que la esencia de Adolescent Sex no esta en la suma de sus partes sino en como estas se relacionan, canibalizan y tienen salvajes relaciones sexuales entre sí creando una criatura que valía millones.
Una criatura en la cual su momento sus compatriotas no le prestaron demasiada atención ya que no podían despegar sus ojos del punk. Y a Japan el punk les chupaba un huevo. Ellos siguieron en su universo paralelo en constante evolución y cambio para encontrar el éxito unos años después, luego de enterrar sus guitarras eléctricas para darle la bienvenida a los synthes y Giorgo Moroder y convertirse así en un involuntario póster new romantic. Involuntario porque también en es momento eran una entidad difícil de clasificar. Terminaron su carrera introduciendo detalles de música oriental de climas relajados y tranquilos (casi ambient) que iban adelantando las aventuras posteriores de Sylvian acompañado de gente como Ryuichi Sakamoto, Holger Czukay o Robert Fripp.

Pero a lo nuestro: Adolescent Sex. Que disco amigos, que disco. Que cosa mas sutil, elegante e intensa. Esas canciones, esas guitarras, esos teclados, ese bajo, es ritmo. Cuanta juventud, cuanta arrogancia, cuanta clase. Esos hits de los que es difícil quedarse con alguno de los diez que componen el disco. Aunque hoy y a esta hora mi favorito es Suburban Love, con todas esa parte final instrumental, esas guitarras entrelazándose, ese ritmo, wooooooooooow. Pero podría ser Don`t rain at my parade, Television, Wish you were black o Communist China. Que habilidad para sonar al mismo tiempo memorables y arriesgados, ásperos y refinados...bla bla bla

Releo el post y siento que es incompleto (obvio, este parrafo anterior es cualquiera). Hay algo frustrante en dedicarle algo tan atorrante a un disco tan increíble. Pero hay razones para esto. Hay tres tipos posibles lectores de este post: los que conocen el disco y les gusta, los que conocen el disco y no les gusta y los que no conocen el disco. A los que ya lo conocen (tanto si les gustó o no) difícilmente les puede provocar una segunda lectura del disco con este post, ya que Japan es de ese tipo de bandas que provocan de entrada o un fanatismo voraz o una indiferencia y rechazo irremediable. Así que el post esta originalmente destinado a los que nunca escucharon el disco, pero para estos no soy capaz de escribirles algún argumento mucho más convincente que: “Bájenselo, que yo sé los que les digo”.

Epilogo (¡?). Bueno. En fin. Al mismo tiempo mientras escribía el post, se me ocurrieron un par de ideas para relacionar a Adolescent Sex con algo que estoy leyendo sobre le cine Hitchcock y me dieron ganas de escribir algo realmente largo y grande sobre el tema. Pero es verano. Otro día.

*esto tiene un copywright

PINK FLOYD-THE FINAL CUT (1983)

noreply@blogger.com (mvc) — Mon, 06 Dec 2004 04:18:00 +0000

A requiem for a post war dream

En mi casa no había rock. Habían discos de la música llamada “culta” (desde música medieval a las vanguardias del siglo XX), lírica, jazz (desde standards a Coltrane), tango (de Gardel a Piazzola), chanson française, bossa nova, nueva trova cubana, folklore uruguayo, flokore argentino, folk estadounidense, folklore eslavo, blues de principios de siglo, gospel, etc. En fin, una variedad importante que abarcaba un rango que iba desde Facundo Cabral a Stockhausen, pero en donde no había nada de rock. Mejor dicho, casi naday5t de rock, porque entre todos esos discos estaban, semi escondidos, los únicos tres discos del género. Los tres de la misma banda. Los tres de Pink Floyd: Atom Heart Mother (1971), The Wall (1979) y The Final Cut (1983).
En mayor o menor medida, nunca dejé de escuchar estos tres discos*, que bien se pueden considerar los tres primeros discos de rock que tuve en mi vida. Ni siquiera en mis años mas punkies los dejé de escuchar (en todo caso no se lo decía a nadie y listo). Eso si. Hubo una época en que me era difícil escuchar The Wall porque me resultaba demasiado difícil disociar al disco con la imagen de liceal rebelde de Feliz Domingo. Pero una vez superado ese trauma pude redescubrir un gran disco. Atom Heart Mother es un muy buen disco, y si bien nunca me termino de convencer la larga pieza que da nombre al disco y que ocupa casi todo el lado B, contiene dos de mis canciones favoritas de la banda: If y Summer of 68. Dicho sea de paso, creo que Pink Floyd (en todas sus etapas) fueron mucho mejores songwriters que músicos experimentales o progresivos. Por lo que en mi opinión nunca dejaron de ser una banda folk, ya que casi siempre, toda esa enfática y elaborada parte instrumental, estaba al servicio del storytelling de las canciones. Pero ese es otro tema.
Pero The Final Cut no era un disco que escuchase mucho. Para empezar, me resultaba un disco incomodo, desagradable, feo, desolador. Pero lo que mas me causaba impresión aún, era que se trataba un disco tan vívidamente emocional y la interpretación de Waters era tan desgarradora, que me daba un poco de miedo. Entonces cada escucha de ese disco se volvía una experiencia demasiado intensa como para poder hacerla demasiado seguido.

Temo desviarme del tema. El otro día chateaba con una amigo sobre como cierto tipo de obras (películas, cuentos, discos**) que realmente llegan a provocar angustia y miedo, logran al mismo tiempo que él lector/espectador/escucha quede por un tiempo en una especie de estado de alerta, en donde los sentidos se agudizan y percibimos todo lo que nos rodea con mayor atención. (Paranoid Eyes).

Retomo. No es que el disco cause miedo. No como una película de terror. No tiene mucho que ver con eso. Algo quizás. Alguna sensación. Pero no. El asunto es que es tan desgarrador, honesto y directo que su escucha, en determinadas ocasiones, puede resultar una experiencia emotiva tan fuerte, que de alguna manera, da un poco de miedo. Es decir. Un miedo distinto, un miedo a sentir cosas y llega a provocar ese estado de alerta del que hablaba.
Con los años, y en mi búsqueda permanente de buscar cosas que realmente me provoquen emotivamente algo (algo, cualquier cosa, algo en este creciente amariconamiento del mundo del rock) he rescatado a The Final Cut y muchas veces he llegado a estar días enteros solo escuchando ese disco una y otra vez.

La colectividad de fans de Pink Floyd parece estar integrada en gran parte por miles de personas al pedo todo el día. Tiempo que les alcanza para hacer todo tipo de análisis, sobreanalisis y teorías interpretativas de todo tipo para con todas las obras de la banda y que se acumulan en un enorme corpus de escritos y mitología sobre su producción. Si a esto sumamos que el disco logro en los últimos años una cierta reivindicación por parte de la intelligensia indie (de la que me entere hace muy poco y por terceros) desde ya puedo adelantar que el siguiente post poco pueda agregar a lo ya escrito sobre el disco. Y no me importa.

El proceso de creación de The Final Cut fue largo y problemático. Tanto que termino con la disolución de la banda. En el no participo Richard Wright y es el último en que participa Roger Waters. En realidad, sino contamos la posterior resurrección de David Gilmour para convertir al nombre de la banda en un circo ambulante que fabricaba dinero, se lo puede considerar como el último disco de Pink Floyd. De hecho Waters concibió el disco con plena conciencia de ello desde una etapa muy temprana del proceso. Waters había empezado a componer las canciones del disco para la banda de sonido del filme The Wall de Alan Parker, pero rápidamente se convirtieron en un proyecto aparte. De ahí que él titulo original fuese Spare Bricks y termino siendo The Final Cut, en referencia a la ultimo montaje que se le hace antes de terminar un filme. Pero si bien termino siendo un disco aparte, The Final Cut es en lo temático, una continuación y complemento del disco anterior de la banda, en el cual se baso la película. Incluso se puede hablar de una pequeña trilogía junto a Animals (1977).

Las diferencias, ya no solo en lo musical sino ya también en lo político y filosófico, entre Waters y el resto de la banda (especialmente con Gilmour) habían llegado a su momento de mayor tirantez. Pero el control de la banda estaba desde hace unos años y cada vez mas, a cargo de Waters, mas que nada por falta de ideas del resto y no (solo) porque Waters se tratase de un dictador amo y señor de su banda. El asunto es que The Final Cut es casi un disco solista de Waters (de hecho se manejo la posibilidad que se editara de esa manera) ya que lo concibió todo él con la ayuda del productor Michael Kamen. El resto de los miembros de la banda se comportaron casi como los tantos músicos contratados para la grabación del disco. Un ejemplo de esto es el último tema del disco la batería no es de Nick Mason, sino que de un sesionista, ya que Mason no entendía y no lograba lo que Waters quería. Enla reunión posterior sin Waters nunca se tocó un tema de este disco. Para Gilmour, Mason y Wright este disco simplemente no existió.

Niños, como casi todos los discos de Pink Floyd se trata de un disco conceptual. Y en ese sentido, como obra conceptual, The Final Cut es un disco redondo. Waters logra conectar e interelacionar de forma magistral los temas en donde se basa el disco, logrando una narración perfecta. La critica de la política exterior inglesa, desde la Segunda Guerra Mundial hasta la vigente en ese momento Guerra de las Malvinas (get your filthy hands off my desert) logra conectarse con un hilo autobiográfico de Waters. No solo por la evidente conexión de Waters en su condición de huérfano que perdió a su padre en la guerra, sino buscando paralelismo en lo que cuenta sobre la guerra y sus consecuencias, con lo que él (Waters) vivía en ese momento: el final de la carrera de su banda y su condición de rock star en decadencia moral y espiritual.
Aquí se pueden señalar los principales reproches que le hacia Gilmour a Waters. Primero; el marcado carácter autobiográfico del disco, ese insistente yo, yo y yo de Waters que venia desarrollando hace unos años. Era un disco que Waters sentía que debía hacer por y para sí mismo. Por su bien. Pero que poco le importaba a Gilmour que ya estaba cansado de bancarse los delirios de millonario borracho de Waters (“¿Quién quiere seguir escuchando sobre el padre muerto de Roger una y otra vez?”). Pero por otro lado se dice que a Gilmour no le caía muy bien la abierta critica hacia el disco al gobierno británico de Margaret Tacher (¡Gordo caretón!).

Lo interesante es que para ser considerado un disco anti bélico, Waters no parece estar censurando a la guerra en si, sino al hecho de que las guerras se basan y justifican en una gran cantidad de mentiras. Que no se trata de pelear por motivos elevados como la patria, la libertad, la igualdad, la justicia, la felicidad (el post war dream) sino que solo son conflictos de intereses económicos que les sirven exclusivamente a los grupos de poder que gobiernan los destinos de los países en un momento dado. Grupos de poder comandados por tiranos a los que poco les importa arrastrar a pueblos enteros hacia la muerte solo para hacerse más ricos y poderosos. El disco habla de lo decepcionante que es descubrir eso por parte de los que realmente se juegan la vida en las guerras; los soldados y sus familias (Tell me true/ tell me why jesus crucified / is it for this daddy died). Descubrir que solo se trata de un conflicto ajeno al que se entra engañado y donde una hay nada que ganar y todo para perder.

They disembarked in 45/and no one spoke and no one smiled (Southampton dock)

When we came back from the war the banners and flags hung on everyones door/we danced and we sang in the street and the church bells rang/but burning in my heart/my memory smoulder on the gunners dying words on the intercom (The hero's return)

By the cold and religious we were taken in hand shown how to feel good and told to feel bad/tongue tied and terrified we learned how to pray/now our feelings run deep and cold as the clay/and strung out behind us the banners and flags/out of our possible past lie in tatters and rags (Your possible pasts)

What have we done to England/should we shout should we scream/what happened to the post war dream?/oh Maggie Maggie what have we done? (The post war dream)

Como decía una de las cosas más interesantes del disco es como Waters logra0 interrelacionar todos los temas. En especial los dos polos: el personal y el político. A lo largo de The Final Cut esto se puede ver en varias oportunidades y de varias maneras. Explicarlas (explicitarlas) todas seria trabajo de una pequeña monografia***. Pero algunos ejemplos para ilustrar.
The Final Cut tiene un protagonista en casi todo su relato: the hero. The hero puede funcionar como la figura del padre de Waters si este hubiese retornado vivo de la guerra pero es también un personaje que representa a todos los sobrevivientes de la guerra. Es con the hero que Waters logra reintroducir el tema uno de los temas centrales de The Wall: la incomunicación. Aquí se trata de la incomunicación que los soldados sufren al poder no expresarse abiertamente sobre lo que vivieron en la guerra y su consecuente incapacidad poder reintegrase plenamente en la comunidad y entre sus seres queridos. Pero cuando Waters habla de esto también sigue hablando de sí mismo y de sus dificultades para comunicarse sinceramente con sus propios seres queridos o con él publico en general a través de canciones o entrevistas.
Es por eso que los detractores del disco le acusan a Waters que, además de llorón, es tan caradura que anda comparándose desde su mansión de cristal con un desgraciado ex combatiente que sufrió una guerra en su propia piel. Puede ser que tengan algo de razón. Pero tratando de darle una interpretación positiva al asunto, lo que en realidad esta queriendo decir Waters es que no se trata de un exclusivo problema de él o de los veteranos de guerra. Se trata de un problema universal. Que ni siquiera si conseguimos lo que la sociedad considera como una vida exitosa (la de un artista exitoso) eso sea una garantía para sentirnos menos solos y comprendidos, ya que ha que a todos nos bloquea un temor de que si nos entregamos sinceramente hacia los demás estos terminen abandonandonos, por lo que para vivir y convivir estamos obligados a interpretar un personaje y no ser nosotros mismos.

Sweetheart/sweetheart are you fast asleep, good/cos that`s the only time that I can really talk to you/ and there is something that I've locked away/a memory that is too painful/to withstand the light of day (The hero's return)

You believed in their stories of fame fortune and glory/now you’re lost in haze of alcohol of middle age/the pie in the sky turned out to be miles too high/and you hide hide hide/behind brown and mild eyes (Paranoid eyes)

And if I show you my dark side/will you still hold me tonight/and if I open my heart to you/and show you my weak side/what would you do/would you tell the story to the Rolling Stone/would you take the children away/and leave me all alone/and smile in reassurance/as you whisper down the phone/you send me packing or would you take me home? (The final cut)

A propósito de esto. Waters también parece también estar hablando sobe el proceso de producción del disco. The Final Cut nace de una necesidad puramente individual de expresar una serie de sentimientos que solo a él le interesan. Es su disco. En la línea de lo que veníamos diciendo, ha perdido el temor de expresarse libremente y no le importa que eso le cueste que la disolución de la banda, que le público le dé la espalda o sea también ninguneado por la critica. Es su disco y es lo único que le interesa.
Digamos entonces que es la eterna duda del artista de preguntarse para quién esta haciendo lo que esta haciendo: ¿Para él?, ¿Para él publico?, ¿Para la compania discográfica?. Mas si se trata de un artista de una fama considerable metido en la maquinaria de la industria del rock desde hacia años.
Dicho sea de paso, para los que no saben, el disco fue un fracaso de ventas (debe ser el disco menos vendido de la historia de Pink Floyd) y de critica. Prácticamente todo el mundo se dedico a hablar de mal él, tanto que convirtió en una verdad indiscutible: The Final Cut era una garcha.

Este tema de las motivaciones se hace más evidente sobre el final del disco. En la penúltima canción: Not Now John, la mas rockera y enojada del disco.
La canción anterior, The Final Cut, Waters esta en su momento mas intimo, confesional y de desahogo En ella termina con el verso I never had the nerve to make the final cut. Aprovechando el recurso de surco único que tenían los discos de Floyd el final de la canción es "interrumpido" por Not Now John, con dos violentos y cortantes versos: Fuck all that we`ve got to get on with these!/got to compete with the wily japanese!. Lo curioso es que esta cantada a duo con David Gilmour (que es el que interrumpe, en su unica participacion vocal en el disco) haciendo como de si mismo. Explico.
La letra de Not Now John se trata de un dialogo entre...bueno un dialogo (literal y metafóricamente) entre John Waters y David Gilmour, pero también (principal y evidentemente) entre o John Waters y Alan Parker****. Es decir entre John Waters y los representantes de la industria del espectáculo y por extensión general es un dialogo entre deseos individuales del artista y los deseos de la industria. En definitiva, entre los deseos individuales de los seres humanos en contraste con los que la sociedad pide de él.
No deja de ser curioso (y al mismo tiempo representativo de lo que pasaba en el banda en ese momento) que Gilmour este representando al malo de la película en la canción. Al que esta solo por la guita y poco le interesa que hacer mientras de dinero. Es decir, literalmente le esta pidiendo que termine con toda esta cháchara del artista sufrido y que vuelva a poner a Pink Floyd sobre los rieles de la gran maquina del entretenimiento mundial.

Not now John/we've got to get on with the film show/Hollywood waits at the end of the rainbow/who cares what it's all about/as long as the kids go/not now John/got to get on with the show /hang on John.

Hay otro detalle interesante en la canción. En ella Waters equipara a la industria del entretenimiento con la maquinaria capitalista que provoca las guerras: El negocio del rock, el negocio de Hollywood, el negocio de guerra. Todo lo mismo.

Fuck all that we`ve got to get on with these/got to compete with the wily japanese/no need to worry about the vietnamese/got to bring the russians bear to his knees/wll, maybe not the Russian bear/maybe the swedes/we showed Argentina/now let`s go and show these/make us feel tough/and wouldn`t Maggie be pleased

Este es punto es muy interesante. Ya es muy difícil que hoy en día un artista mainstream haga un acto tan critico y abierto de la política exterior de su país en donde literalmente se puede estar jugando la carrera. Sobran ejemplos de artistas estadounidenses supuestamente rebeldes que como mucho han hecho tímidas declaraciones pacifistas sobre la invasión de Irak y han elegido mirar para otro lado antes que hacer algo que les signifique vender unos miles de discos menos. Pero es mucho mas difícil aun encontrar a un artista al mismo tiempo haga evidente -y se sienta un poco culpable- por el hecho de pertenecer o lidiar a la misma industria que genera las guerras.

Not now john precede al casi único tono de esperanza en el disco. La ultima canción: Two suns in the sunset. “Esperanza” es una manera de decir. Pero ya la manera de cantar de Waters, el ritmo mas relajado, el mood general es un poco mas alentador. Pero veamos en que consiste esta esperanza. Waters ve que el Holocausto y el fin de la humanidad es algo inevitable a lo que nos aproximamos sin otra alternativa. Esta cerca. Pero todo fin puede significar un nuevo comienzo. Un holocausto nuclear puede ser visto con esperanza, ya que los sobrevivientes se darán cuenta que para encontrar felicidad plena esta tiene que ser colectiva y no a costa de los demás. Solo de esa manera, sobrevivientes al horror extremo se podrán construir una sociedad mejor y mas justa.

And as the windshield melts/My tears evaporate/Leaving only charcoal to defend/Finally I understand/The feelings of the few/Ashes and diamonds/Foe and friend/We were all equal in the end

He hablado muy poco de la parte musical. Básicamente el disco tiene todas a características del Floyd de Waters. A nivel de sonido es técnicamente impecable pero como decía al comienzo del post, todos los efectos de sonido y hallazgos técnicos esta al servicio de la narración, de la canción y de la emoción. No solo se trata de poner efectos y buscar sonidos porque si para decir “que bien esta grabado”. El detallismo en los sonidos (gritos, sonidos escondidos, ruidos de la vida cotidiana, conversaciones, radios, instrumentos que se van y vienen, los detalles de cómo se va de un lugar a otro) del disco es una de sus principales virtudes. También una característica del disco que conviven tonos íntimos y de volumen bajo, con la voz de Waters apenas acompañada de una instrumentación modesta y de un momento a otro sale PINK FLOYD en toda su expresión y grandilocuencia con toda la orquesta inundando desde los parlantes toda la sala y haciendo temblar los suelos. Esa convivencia de la orquesta que se lleva todo por delante con todo su poderío con la sencillez de los momentos íntimos puede ser una correspondencia con lo temático del disco, donde se entrelazan los temas personales (li intimo) con los políticos (lo trascendental y avasallante). Ah!. Y para ser un disco en que Gilmour no participa mucho se manda tres solos de guitarra maravillosos, ya que a ser un disco casi solista saca lo mejor de su banda (y también hay solos de saxo, digo, para que estén avisados).
Pero la interpretación vocal es el elemento determinante para lograr todas las emociones que el disco quiere transmitir. Esta, va desde los susurros hasta los gritos, es tan real y dramática que pone la piel de gallina. Dice cada cosa que tiene que decir de la manera necesaria para que transmitir lo que quiere transmitir. En todo el disco se transluce que Waters estaba haciendo el disco porque realmente le importaba. Quería un disco que realmente significase algo para él y en ello a puesto un cariño y trabajo admirable.

*que mentiroso
**(Estabamos hablando especificamente de tres cosas: el cuento 7 Pisos de Dino Buzzati, la película japonesa Ju-on: The Grudge, Takashi Shimizu, 2003 y los discos de Throbbing Gristle).
***que exagerado!
****Por la conflictiva relación sobre los diferentes enfoques de cómo hacer el filme.

noreply@blogger.com (mvc) — Wed, 01 Dec 2004 21:09:00 +0000

L7-The Beauty Process (1997)

noreply@blogger.com (mvc) — Tue, 30 Nov 2004 04:17:00 +0000

Me encanta este disco de L7. Es el más colgado y marihuanero pero al mismo tiempo es tan duro como los demás.

Dicho sea de paso: L7 es una de mis bandas favoritas de los 90s y por lejos una de las mejores bandas de su generación. Estaban mal clasificadas dentro el pelotón “alternativo grungy nena quejosa” pero en realidad estaban mas cerca de ser una versión femenina de Motorhead.

Dicho sea de paso. En la pagina oficial de la banda hay una muy divertida sección donde la baterista Dee Paklas es consejera sentimental de los fans de la banda que le manda cartas. Clickee aqui y vea.

Pura pose (tu pais apesta)

noreply@blogger.com (mvc) — Tue, 16 Nov 2004 18:38:00 +0000

Además de ver una de las mejores cosas que vi en mi vida (Kraftwerk) el viaje a Buenos Aires me sirvió para reconfirmar lo que en realidad sé hace tiempo: en Buenos Aires no pasa nada.
Me estoy refiriendo a prácticamente todas las propuestas culturales presentadas como alternativas o no convencionales. Es todo muy tímido, sin riesgo. Todos parecen estar anulados creativamente por el deseo de gustarle a alguien y terminan haciendo cosas que dan vergüenza ajena. No me refiero a todas las propuestas, pero casi todas. (El 99 %). A casi todos los uruguayos con los que viaje les pareció lo mismo y afortunadamente a mis amigos argentinos, mas los que conocí en este viaje, les parece lo mismo. Como dice un blogger uruguayo sobre los argentinos: "Son muy putos". No en el sentido de la orientación sexual, sino en el sentido da la falta ABSOLUTA de riesgo en las propuestas artísticas. Un miedo absoluto a no gustar los paraliza. Y sin riesgo no hay arte.
Bueno el asunto es que el sábado fui a ver Travesti a una fiesta, la Ruda Macho, que al parecer tenían toda la onda y en realidad eran una cagada absoluta. Travesti me gusto mucho. Hicieron un show muy mala onda, muy ruidoso y punk. Muy bonito. Pero la fiesta...dios mío.
Un amigo argentino que estaba ahí se fue antes de que le diera un ataque genocida se fue de la fiesta (yo me quede un rato mas). Le escribí lo siguiente por mail, le gusto y me pidió que lo postease:

La fiesta era malisima. Muy fea. Era indignante. Yo pensaba que no iba a ser muy buena, pero no pensé que iba a ser tan trucha, pero tan trucha, que iba a terminar quemado con ella.
En el viaje termine asqueándome del todo con los modernos porteños. Ya esta. No existen. La gente esta tan, pero tan preocupada por gustar a los demás y ser cool que terminan siendo cero auténticos. Nulos. No le creía a nadie. Tan preocupados por gustarle a alguien y no salirse de los estándares que terminan adoptando gustos prestados. No son personas, son pequeños ideales colectivos.
Lo mismo con las bandas y artistas y general. Como esta chonga de Gaby Vex. Hace EXACTAMENTE lo que él publico quiere ver. No es un evento artístico, es un evento de reafirmación ideológica del tipo fascista. No hay una obra artística originada de un proceso de creatividad y reflexión individual que aporte algo nuevo, por mas mínimo que sea, a la visión del mundo. No hay nada de eso, son solo los simples y cobardes deseos del público materializados sobre el escenario. El publico ve lo que quiere ver para sentirse revalidado en su "ideal de persona".
No hay ningún quiebre, no hay ninguna emoción verdadera, no pasa nada. No es arte, es una trampa disfrazada de arte, ya que funciona para mantener el status quo de las cosas de la manera más perversa (es decir, diciendo lo contrario, ya que se vende como algo re loco e innovador). No se diferencia en nada al publico de Divididos o el de Shakira.

Si. Ya sé. No hay que generalizar. Como dije arriba. No son todos asi.

PD: Con razón Motosierra la rompe en Bs As.
PD2: Encima tienen una cerveza horrible y que no emborracha.

noreply@blogger.com (mvc) — Tue, 16 Nov 2004 02:38:00 +0000

BOROMBOMBOM/
BOROMBOMBOM/
EL QUE NO SALTA/
ES UN ROBOT

Kraftwerk estuvo tan bueno que no se que escribir. O escribo un informe de 150 páginas o hago, por ahora, este pequeño post.

Edit: para lo que no fueron y quieran hacerse una idea: aca hay fotos del show de Kraftwerk. No son las del show de Buenos Aires (son las de Estocolmo) pero es lo mismo. Es el mismo show.

Festejen Uruguayos Festejen

noreply@blogger.com (mvc) — Mon, 08 Nov 2004 23:44:00 +0000

En el noticiero, lo acabo de ver. La corte lo anuncio: El Encuentro Progresista ganó la presidencia y lo hizo sin necesidad de segunda vuelta.
También parece que también salió el plebiscito del agua.

Todo esto no me importa ahora. Me voy a ver a Kraftwerk. Chau.

Resultados de Segunda Division

noreply@blogger.com (mvc) — Fri, 05 Nov 2004 06:12:00 +0000

Partido INTRASIGENTE 8.404 0,38%
Unión Civica 4.757 0,21%
Partido Liberal 1.493 0,07%
Partido de los Trabajados 524 0,02 %

Lissidini le rompió el culo a todos. ¿Cuantos votos hacen falta para llegar a un edil?.

Ultimo Post de una Era (Yupi, voy a vivir en un pais con un gobierno de Izquierda)

noreply@blogger.com (mvc) — Fri, 29 Oct 2004 05:08:00 +0000

El sordo de mierda (copyright simpol) acaba de darle hoy en la tarde por fin mas del 50% de intención de voto al Frente Amplio. La noticia daba vueltas desde ayer, desde el momento en que el moreno reporter del Canal 10 adelantó desde el acto final del FA que TODAS las empresas encuestadoras que aun no le habían dado mas del 50% de intención de voto a la Izquierda ahora si se la estarían dando. Al decir “Todas” lo que estaba queriendo decir era “si, la del sordo también”.

Pero los últimos coletazos de la derecha siguieron, pero ya con casi plena conciencia de ser los últimos. Blancos y colorados, casi estupefactos de ya no saber que hacer para evitar lo inevitable y dándose cuenta de que si, que ese día tan temido, había por fin llegado. Ambas colectividades políticas señalaron en sus actos finales su importancia y relevancia en la historia uruguaya del último siglo, casi como si se estuviesen despidiendo.
El semanario del imperio, Búsqueda, en un intento de creerse la mentira hasta ultimo momento y esperanzado en una negación de la realidad propia de la etapa del pensamiento mágico, titulaba hoy en sus siempre pequeños (y casi siempre intrascendentes para “la gente de a pie”) titulares lo siguiente:

“Cuatro de cinco encuestas vaticinan triunfo de Vázquez sin necesidad de segunda vuelta”

Usted lector se preguntara: ¿“Cuatro de cinco”?. Al parecer tenían el dato de que Luis Eduardo Gonzáles iba a seguir insistiendo con un 49% para el Frente Amplio. Pero no. Acabo de verlo. El sordo dio un 50,9 para Tabaré Vázquez y quién sabe y a quien le importa cuanto para el Partido Nacional, el Partido Colorado o el Partido Independiente; todas las miradas estaban fijadas en ese 50,9 que parecia que no iba a anunciar nunca.
Esa diferencia entre el 49% que manejaba Búsqueda y el 51 % que al final largo González en Teledoce parecen hacer más creíbles las sospechas de que CIFRA manipulaba levemente sus datos a favor de la derecha. Chocolate por la noticia. Pero la manera de actuar del González hoy parecía confirmar a los ojos de todos, dichas manipulaciones.
El sordo dio un par de vueltas antes de tirar los resultados de la encuesta. Hizo todo un prologo, actuadamente espontáneo, en donde le recordó a la teleaudicencia que en un libro de estadística (torpemente mostrado hacia las cámaras) sobre la evolución de las elecciones uruguayas publicado en el 2002, el ya vaticinaba el triunfo de la izquierda en las elecciones del 2004. Llegando a esa conclusión solamente siguiendo la lógica del ascenso sostenido de votos de la izquierda y la progresiva perdida de apoyo los partidos tradicionales. En un acto algo desesperado y tardío de salvar su credibilidad profesional el González dijo: es lo que vengo diciendo desde hace dos años. Era obvio. Muy obvio. Tan simple de adivinar. Pero al parecer no lo suficiente obvio, ya que fue uno de los últimos en admitirlo.
Los segundos siguientes al anuncio de Gonzáles cambiaron el ambiente en el set del noticiero. Las demostraciones de humanidad que se vieron de los periodistas Aldo Silva y la rubia cuyo nombre no me acuerdo, fueron muy raras de ver en la televisión nacional. Aldo Silva respiro aliviado y una indisimulada alegría se tradujo en su rostro. Después de todo, su credibilidad también estaba en juego. Silva, el sordo y la rubia incluso reían y bromeaban entre ellos. “Uf, por fin lo dijo” decían las caras de los periodistas.

De esta manera, uno de los últimos que admitiría un triunfo de la izquierda, por fin lo hizo. Esta ultima semana casi toda la derecha lo ha admitido. Puede que no lo diga de manera manifiesta, pero si se deja ver en su manera de actuar.
Por parte del Partido Colorado: el mensaje de Junior desde el futuro 2009, la repartija de videocasetes por parte de los actuales ministros para que “le gente grabe las promesas y vean después si las cumplen”, la arenga de “despertemos uruguayos”*, etc. Todo trasmitía desesperación y al mismo tiempo una asunción de la derrota.
Como si todo esto fuera poco Larrañaga también pareció darse cuenta de lo inevitable. El guapo, el que fue el único con posibilidad de hacerle partido a Vázquez hace una semana que no sabe bien que decir y lo poco que dice huele a manotazo de ahogado. Luego de la perdida de protagonismo durante el enfrentamiento Sanguinetti-Mujica (al que no supo nunca bien como reaccionar y creo que esa falta de decisión le termino de sacrificar sus ultimas chances) paso a repetir como un loro (así como antes repetía “Quiero debate, quiero debate”) “Tengo una encuesta, tengo una encuesta”. Hoy, en conferencia de prensa, paso de decir “tengo una encuesta, tengo una encuesta” a “en las elecciones internas todas las encuestas se equivocaron”**. Al mismo tiempo el afiche callejero del acto final del Partido Nacional aclaraba en que era el acto final “de la primera etapa”, en una manera de comportarse que me hace recordar a los que necesitan llevar colgada una cruz para creer en ella.

Hoy también, por el asunto de la veda, salió Brecha. No la leí, pero ya vi que tiene una entrevista a Tabaré Vázquez. Recordemos que Vázquez y Brecha habían roto relaciones hace un tiempo y esta entrevista era inimaginable hace muy poco tiempo. Pero en plena conciencia del buen humor y del momento histórico que se vive en el país, la entrevista se hizo y es una muy buena señal. Pero de eso no quería hablarles. Cuando abro el semanario, en la página del medio había una lista de Stirling (la 2000). Dios. Otro acto desesperado, irracional e infantil del quiosquero o quién sea. La persona que puso esa lista del Partido Colorado en una Brecha, a menos que sea tenga una tara intelectual, no lo hizo para convencer a los lectores de Brecha de votar colorado, sino que lo hizo de provocador nomás. Pero lo bajo. De cagón. Muy uruguayo.
Hablando de provocaciones. Las provocaciones constante del Foro Batllista hacia la izquierda no dieron resultado. El discurso de los “liberales”, de los portadores de las banderas de tolerancia y democracia en este país, paso a tener un contenido no muy distinto al de los boletines del JNR. Como será que al lado de Sanguinetti o Abdala, el heredero del pachequismo Alberto Iglesias, parece del Partido Humanista. Bueno, no por nada se dice que en situaciones extremas los seres humanos muestran su verdadero rostro.

Parece inevitable que la izquierda gane este domingo. Caminar por Montevideo estos días se ha convertido en una sensación indescriptible. La ciudad entera parece un gigantesco comité de base primaveral. En lo que va del día ya escuche 7000 veces “cambia todo cambia”. Y esta bárbaro. Autos tocando bocina, gente que improvisa cantos de festejo mientras camina, banderas. Quizás un poco tarde, pero al fin la gente se ha dado cuenta de lo histórico de los días que estamos viviendo. Históricos actos en el interior del país, histórica la caravana del fin de semana, histórico el acto de final del miércoles. Desde hace unos días y hasta la madrugada del lunes el festejo parece no parar***. Si, me ataco el virus Michelini y no puedo pensar en otras cosas que disfrutar el momento. Realmente no hubiese podido postear otra cosa porque ya que no puedo pensar en otra cosa. Ahora, en estos momentos, en estos días me resulta imposible ser negativo con todo lo que pasa. En estos momentos me chupa un huevo y la mitad del otro si dentro de unos años el gobierno de la izquierda resultara decepcionante. Me resulta imposible llegar a ese tipo de razonamiento y de ahí proclamar la inutilidad de votar a la izquierda “porque nada va a cambiar” o “porque son todos iguales”. Y lo esta escribiendo alguien que anulo su voto en el balotaje pasado****. Alguien que observaba ofuscado el ascenso de Vázquez dentro del Frente Amplio. Alguien que es plenamente consciente de que el Frente Amplio esta plagado de defectos por todos lados. Pero ya tendré tiempo de recordar todo lo poco simpático que me cae a Tabaré, de señalar las mil cagadas que se mandará el Frente en el gobierno y ya tendré otras elecciones para poner una foto de mi perra. Ahora quiero festejar y no puedo dejar de entusiasmarme con una posibilidad de cambio, por mas mínima que sea, en un país en donde nunca cambia nada.
Y aunque sea solo por el disfrute de ver a gran parte de los hijos de puta que arruinaron el país en las últimas décadas morir políticamente y dejar el poder, aunque sea solo por eso, dejadme brindar por eso.

*El slogan “Despertemos uruguayos” fue una de la serie de bestialidades del Partido Colorado hacia el pueblo uruguayo al que hay que sumar la sorprendente declaración de Hierro, que trató de “poco inteligentes” por sus intenciones de voto a los ciudadanos del país que es vicepresidente. Siguiendo esa extraña línea de razonamiento para ganarse el apoyo de la gente, en un programa del canal 5 que conduce un gordito de barba, el Ministro Alfie declaro, sobre la implementarse la medida que proponía Larrañaga de devolverle el IVA de las compras a las familias con ingresos menores a 5000 pesos, que “de un día para el otro en Uruguay todo el mundo pasaría a decir que gana menos de 5000 pesos”.
**Lo que es falso, y bien se lo recordó indirectamente Botinelli en el canal 4, al mismo tiempo que le otorgaba al frente amplio un 53%.
***¿Las empresas de cerveza han previsto un incremento de consumo para este fin de semana?. No sea que se agote a la mitad de la noche.
****En las internas vote a Mujica.

PD: Acabo de corregir la ortografía del texto y me di cuenta que repetí mucho las palabras “inevitable” e “histórico”. Por eso estoy tan contento.
PD2:¿Cuál abra sido el rating de Zona Urbana esta semana?.
PD3:Este verano todos al Polonio.

The Chargers Street Gang-Holy Bop the Apocalypse (2001)

noreply@blogger.com (mvc) — Wed, 27 Oct 2004 06:27:00 +0000

Lo bueno de tener un blog es ser tu propio jefe. No tener editor, ni tener que necesariamente seguir un estilo o línea editorial impuesto por una fuerza superior. No tener que rendir cuentas con nadie sobre lo que uno escribe (salvo con los lectores, y a veces siquiera), no tener que rescribir nada a pedido de un chupapija que quiere convertir lo que escribiste en “algo más accesible para todo el mundo porque no todos los lectores de esta revista conocen la carrera de Iggy Pop”. Etc, etc. A las personas a que les gusta escribir, tener un blog les brinda casi esa única satisfacción: escribir de lo que uno quiera, cuando quiera y como quiera.
Ok. Esto lo sabemos todos los que tenemos blogs, todos los que leen blogs y lo saben hasta los que escriben artículos en los diarios sobre los weblogs. ¿Entonces a que viene esta introducción tan espantosamente obvia?.
Un par de post atrás prometía dejar de escribir de rock por un tiempo para dedicarme a la divulgación científica. Y hoy vuelvo a escribir sobre una banda de rockinrol sin haber hecho ni un solo puto post de divulgación científica. Y nadie me puede decir nada porque escribo lo que quiero, cuando quiero y como quiero. Je. Les aviso que lo de la divulgación científica no era un chiste y va en serio. Pero no he tenido tiempo aún y tuve que repasar algunas nociones de física cuántica que tenia olvidadas.

E ste es disco es para los que pedían una banda de rock actual que pateara traseros. The Chargers Street Gang son oriundos de la ciudad de Cleveland y encajan muy bien en la rica tradición rockera de la ciudad (Pere Ubu, Electric Eels, Dead Boys, Pagans, etc). Si bien su disco debut, Holy Bop the Apocalypse, tiene un par de años, fue uno de mis discos de rock favoritos de la temporada en la categoría “bandas nuevas”.
Mi problema con la gran mayoría de las bandas nuevas de rock no es su falta originalidad sino su falta de huevo. Y a los Chargers Street Gang les sobra huevo, sudor y lagrimas. La banda no inventa nada. Simplemente siguen una línea tipo unos Stooges sucios con muchísima onda, ideas y energía. Mucha energía. Transpiran la camiseta que da gusto. El cantante deja pedazos de garganta en el micro a puro berrido y la banda aporrea sus instrumentos salvajemente pero al mismo tiempo con mucha precisión y técnica. El disco es un torbellino ininterrumpido que no para nunca (si lo pasan a wav d tienen que poner “no pause between tracks” porque es todo de corrido y los temas no terminan hasta que empieza el siguiente). Incluso cuando bajan la velocidad y se despachan alguna balada o un medio tiempo la intensidad interpretativa no decae.
De la escucha del disco se percibe que los pibes se lo están pasando de fiesta. Y eso es importante porque se siente. Están en una banda de rock n roll con amigos, drogas y cerveza grabando un disco de rock. No pueden ser más felices.
Chargers Street Gang pertenecen a la Youngs Lions Conspirancy. Nunca llegué a entender del todo bien que era la YLC. Pero básicamente es un núcleo de bandas yanquis agrupadas alrededor de Tim Kerr comprometidas con mantener vivo el espíritu y rebeldía de la música norteamericana (rock, soul, gospel, etc) con la resolución de “convertir el dolor y la depresión cotidianos en una formidable y artística presencia- expresión' y la promoción de una actitud para fomentar la diversidad de sonidos y en la vida”.
Como ya dije Chargers Street Gang no inventan nada, pero se saben todos los trucos. No hay que olvidar que e trata de un debut. Es disco es variado, manejan varios registros, tienen arreglos e ideas interesantes y se nota una apertura mental para tratar de asomarse mas adelante hacia caminos no tan convencionales. Les tengo fe para el futuro.

(Además, ¿como uno puede resistirse a una banda con temas como Raised on Richards o Tom Waits for No-One?).

Ley de Jante

noreply@blogger.com (mvc) — Fri, 15 Oct 2004 04:19:00 +0000

El año pasado por motivos académicos tuve que averiguar un poco de cómo son los daneses. Ahí descubrí la Ley de Jante. Jante es un pequeño pueblo ficticio creado por el escritor Aksel Sandermose en su novela de 1933, En Flyktining Sitt Spor (Un refugiado cruza las vías). En esta localidad existe un código de diez reglas que rige su vida social y moral. Los daneses cultos suelen referirse a La Ley de Jante a la hora de describir la mentalidad danesa. Paso a transcribir las diez reglas del código y preguntarme si la mentalidad uruguaya no tiene que ver con alguna ley universal de complejo de país pequeño:

No pensarás que eres especial.
No creerás que tienes el mismo status que nosotros.
No te creerás más listo que nosotros.
Ni te imagines que eres mejor que nosotros.
No pensarás que sabes mas que nosotros.
No pensarás que eres más importante que nosotros.
No pensarás que eres bueno en nada.
No te reirás de nosotros.
No pensarás que hay alguien que se preocupa por ti.
No pensarás que tienes algo que enseñarnos.

Otro Post

noreply@blogger.com (mvc) — Fri, 08 Oct 2004 17:49:00 +0000

Iba a escribir que recomendaba la versión en vivo de What goes on de Psychic TV que esta como bonus track en la reedición de Dream Less Sweet cuando me di cuenta que esa versión velvetiana no esta en ninguna edición ni reedición de ese disco, ni de ningún otro disco de la banda, sino que yo la había puesto de bonus track cuando pase el disco de mp3 a wav. Ya que estamos digo que una de las cosas que me gustan de bajarse discos es precisamente armarse sus propias ediciones de discos, agregando los bonus tracks que uno desee o directamente armase sus propias recopilaciones o ediciones o discos personalizados. Bueno. Descubrí la pólvora. Pero al mismo tiempo dando estas vueltas inútiles de palabras he logrado recomendar esta canción (que debe estar en alguna parte de internet) sin hacer un simple post que diga “recomiendo esta canción” y agregando aun más tinta virtual (!?) a la que se desperdicia día a día en la blogsfera. ¿Otro post perdido?. Sí. Puede ser. Pero la foto vale la pena. Y este puede llegar a ser uno de mis últimos post sobre rock por un tiempo. De ahora en más este blog será de divulgación científica.

DEATH FUCK LAFAYETTE-MESSAGERO KILLER BOY-LIVE (1996)

noreply@blogger.com (mvc) — Fri, 08 Oct 2004 05:22:00 +0000

222Bc.FJ Ossang y 111Ab.Intro.

FJ Ossang ha publicado como quince libros, media docena de discos con su grupo MKB Provisoire (Messagero Killer Boy) y ha hecho tres largometrajes: L´affaire des divisions Morituri (1985), Le Tresor de iles Chiennes (1990) y Docteur Chance (1997). Todas estas películas se exhibieron en el pasado Festival de Cine de Cinemateca en donde, además, se hizo en cuerpo presente y me entere de su existencia.
En él catalogo del Festival las referencias para describir la obra de Ossang eran prometedoras: Ezra Pound, William Bourroughs, Josef von Stenberg, Orson Welles, Glauber Rocha, JL Godard, Georg Trakl, Jacques Vaché, Guy Debord o Murnau. Seguí mirando por arriba él articulo y leo que usa en sus películas música de Cabaret Voltaire Cabaret Voltaire, Throbbing Gristle, Esplendor Geométrico, Tuxedomoon y que en Docteur Chance actúa Joe Strummer. Interesante. Al final leí todo el articulo y me prometí no perderme sus películas.
Si bien esa nota del catalogo no decía nunca la palabra punk, era evidente que alguien con esas referencias (y que había empezado a hacer música en el 77 en un grupo llamado De la Destruction Pure) no solo venia de ahí sino que más o menos entendía al punk de la manera que lo entiendo yo.

Les punk étaient très travaillés par une nostalgie plus ou moins consciente, de Dada, de la table rase. Ils représentaient une espèce d’avant-garde non formulée mais lorsqu’on écoute les Pistols, c’est vraiment Dada qui revient en 1976, avec une grande créativité.

333Gz.Cine.

Et en 1982, j’ai commencé à faire des films parce que le cinéma, c’est de la chimie. Ce qui compte au cinéma, c’est le noir, cette interimage qui dès qu’elle est perturbée dans sa succession, sa régularité, fait que l’on casse la continuité narrative. Le cinéma peut être un cheval de Troie qui cache un noir ou, suivant la quantité sonore, l’anticipe, le prolonge... C’est Debord, ce moment capital de la pensée, la dernière avant-garde politique et culturelle, qui parlait d’image blanche, d’image noire, dans "Hurlements en faveur de Sade".

Así como uno no puede disponerse a leer Naked Lunch como si fuese una novela cualquiera o ponerse a buscar una canción pop en el Universal Consciousness, uno no puede enfrentarse al cine de Ossang como si se tratase de una película promedio. No es que sus películas sean del todo no-narrativas. En todas hay historias y estas suelen ser muy simples. Pero no parece ser el objetivo de su cine contar historias. O mejor dicho, no parece ser su objetivo solo contar historias de manera convencional.

Estoy empezando una explicación/advertencia que puede ser en realidad algo innecesaria. Bastaría con decir que son películas experimentales (aunque tampoco tanto) para que se entendiese que son por definición, no convencionales. Pero así como Benito narra en su blog como la gente abandonaba el cine ante una perfomance de Cecil Taylor en Imagine the Sound, es bueno recordar que la relación que exigen cierto tipos de películas con el espectador puede ser diferente a la que el espectador esta acostumbrado (o mejor dicho, a la relación que ha sido acostumbrado a través de años de entrenamiento de ver películas que le exigían mas o menos lo mismo). Así que es comprensible el rechazo de algunas personas cuando se les presenta alguna obra que busca algún tipo de ruptura o reformulación formal.
Decía que son en realidad historias muy simples. Casi se puede decir que son solo excusas arguméntales para hacer las películas. Pero la gracia del asunto no es tratar de seguir la historia sino abandonarse ante el túnel de estímulos audiovisuales constantes que estas películas ofrecen y dejar que la obra se relacione con las emociones más primarias del espectador. No son películas para entender, son películas para sentir. No hay un solo mensaje concreto o verbalizable que quieran transmitir las películas. Hay decenas, cientos de mensajes posibles que el espectador puede llegar a armar con lo que ve.

Una de sus mayores particularidades del cine de Ossang es el uso del lenguaje cinematográfico. Por tres razones:
a)La utilización de todo un arsenal de recursos de lenguaje en desuso o desaparecidos tomados sobretodo de la era del cine mudo (carteles con palabras, Iris in, Iris out, sobre exposiciones, voces en off, fades a negro y blanco, etc).
b)La utilización de todos estos recursos de manera libre y personal, sin respetar del todo su modo de utilización original.
c)La utilización no solo de estos recursos, sino de todo el lenguaje del cine y de las reglas (y estéticas) de género de manera libre y personal. Muchas veces ignorando (y jugando con esa ignorancia) las reglas de lenguaje como si estas no existiesen. Son películas que aluden a un cine pasado y perdido pero buscando crear algo totalmente nuevo a partir de él. Es un cine auto cociente de su metacinematograficidad (epa! que palabrita!). Sus puestas en escena aluden a Welles, Von Stenberg, Murnau, el cine negro norteamericano pero sumergidas en una mirada “a lo Godard” de construir deconstruyendo.
Aquí surge algo interesante. Las películas de Ossang al ser experimentales pueden parecer difíciles para gran parte del público. Pero en realidad lo que se busca es precisamente lo contrario. Al no tener ningún significado concreto a transmitir (solo estímulos para que este surja libremente en la cabeza del espectador) y al no tener ninguna manera previamente codificada que le ayude a ver la película de alguna manera determinada, cualquiera las puede entender. Es decir, al no haber nada que entender y al no haber una sola manera posible de entenderlas, cualquiera lo puede entender. Entonces podemos llegar a la conclusión que su cine busca ser una especie de nuevo comienzo, ser una situación inédita para el espectador. Que le logre crear una sensación y recrear la experiencia de ser el primer ser humano que ve una película. Y si se logra llegar a esa sensación, el espectador puede llegar a comprender que el cine puede ser concebido de cualquier otra manera de cómo se concibe actualmente.

Dije antes “a lo Godard” pero pude haber dicho “a lo Burroughs”. De hecho es un cine influido directamente por la literatura del viejo Bill no solo en lo que tiene que ver con una equivalencia en el juego de las estructuras de lenguaje sino también por lo que tiene que ver con el mundo irreal y narcótico en que se desarrollan sus tramas. La realidad, decía Burroughs, es simplemente “un esquema de observación constante” y los estados alucinatorios lograban “cambiar” la manera en que observamos la realidad al ser percibirla de otra manera. Pero no existe una frontera entre el estado narcótico y la realidad. Son todo parte de lo mismo, solo que visto de diferente manera. Ninguno es mas real que el otro. Con todo esto juega Ossang y la realidad que se ve en sus películas es tan real como la realidad de las películas de Loach, pero solo que vistas desde otro punto de vista.

Hable del cine de Ossang en general sin decir nada de sus tres películas por separado. Y no lo voy hacer ya que me fui muchísimo por las ramas sobre lo que era el post original (que iba a ser solo sobre el disco en vivo de MKB). Lo ultimo que voy a decir es que las tres películas son muy diferentes entre sí. Cada una parece ser su opera prima y es ese espíritu, el de reinvención permanente, el de arriesgarse hacia lo desconocido, el que sobrevuela su obra.

444Ty.(MKB Live)

We were`nt in music/ we were in chaos/ we were`nt in music/we were in chaos/ 20 années que Rock is Dead/C`est 1989.
1984, MKB.

Solo conozco parcialmente la discográfica de MKB* así que tengo cierta dificultad para escribir sobre este disco ya que me es algo difícil contextualizarlo. De hecho sé muy poco del punk francés o si MKB pertenecía a alguna escena en particular o que. Pero aquí voy con algunos datos que puede recoger por ahí.
MKB Provisoire (Messagero Killer Boy) nace en 1980 aunque el nucleo de la banda nace un par de años antes bajo el nombre de DDP (De la destruction pure). Lo más importante para MKB es el ruido. Por eso cuando comenzaron bautizaron a su estilo como “noise & roll”. El ruido, la electricidad, la velocidad, las palabras sobrevolando una pared sonora. Eso es mas o menos MKB (“c’est un sport futuriste”).
Este disco en vivo recoger una actuación de la grupo en 1994 en el Passage du Nord Ouest en Paris. FJ Ossang se encarga de “palabra y voz” y lo hace sobre una muralla de sonido postpunk industrial creada por dos guitarristas (Little Drake y Jack Belsen) y por maquinas a cargo de Elvire (aunque tengo la ligera sospecha de que Elvire es simplemente el nombre que le pusieron a la caja de ritmos). En este disco tienen la participación especial de un trompetista llamado Jac Berrocal en algunos temas.
Me es medio difícil describir la música de MKB. Es una música muy nocturna y me recuerda, en lo que se refiere al mood, a Tuxedomoon o The Birthday Party. Pero MKB es mucho mas rock n roll que Tuxedomoon. Son riff obsesivos y mecánicos que fluyen como si fuesen en una carretera continua e intensa. Como unos Swell Maps o The Fall technoindustriales o como Gun Club cruzados con Nitzer Ebb.
En fin. Toda una revelación. Hay muy buenas canciones y me sospecho que hay todo un mundo a descubrir.
Tengo otro disco mas de MKB, la banda de sonido de Docteur Chance. Pero entre que tienen aportes de otras bandas (The Gun Club, Nick Cave, La Muerte, Joe Strummer) y que es una banda de sonido me cuesta verlo como un disco de MKB. Por lo que pude escuchar en las películas mucha música de la banda es mucha más cercana a un ambient noise industrial que a los chispazos rockeros de este disco. Otra cosa mas: los discos me los mando el mismo FJ Ossang (que resulto ser muy simpático) en un gesto de hermandad y amabilidad punk. Gracias!.

TRAVESTI EN EL LIVING

noreply@blogger.com (mvc) — Tue, 28 Sep 2004 17:30:00 +0000

(Este blog se ha convertido temporalmente en una cartelera de eventos)

La medianoche del SABADO 2 DE OCTUBRE en el LIVING (Paullier y Hugo Prato)

Basta de Mariconadas. Vuelven los moretones psicodelicos. La verdad de la milanesa punk. Música para gente fina. TRAVESTI en Montevideo. La banda argentina por tercera vez en montevideo. Laboratorio de experimentación sonora. Ataque a la música. PunkPsicodeliaElectronicaNoise. Una noche para recuperar las emocionces.

Ademas se presentará Nochteff, el proyecto solista de punkrocknoisemininalista Tomás Nochteff, ex-bajista de Dios y colaborador de Travesti.

Links sobre Travesti: 1 y 2

Link sobre Nochteff: 1

Como si todo esto fuera poco la Fiesta continua con la música de Dj Cretino (asistido por DJ Nicolleta) y Martin Canova, Metal vs Punk vs Techno.

pd:el post me quedo medio atorrante, quizas lo edito mas tarde.

Otra Fiesta Mas

noreply@blogger.com (mvc) — Mon, 20 Sep 2004 18:39:00 +0000

SOY UN TARADO! ME OLVIDÉ DE PONER LA FECHA!. ES MAÑANA SABADO 25.
Si Amigos. Otra fiesta. Otra fiesta única e irrepetible. Otra fiesta en la ya lengendaria casa de la calle La Paz 1977. Atención con la lista de DJs:
DJ MVC (Yo)
DJ Antonella
DJ Nicolette (alias Camila)
DJ Natalia
DJ Fabricio Berti (el de las Discotraxxx)
DJ Maria
DJ Fontana (el mismisimo Crétin)

y como si todo esto fuese poco desde Francia vuelve:

DJ Paciuk

Siiii!. Por un momento tendremos la ilusión de que volvieron las fiestas de Dinamo!.

pd:algo de entrada se va a cobrar, as always, para pagar los equipos.
pd2:ya volveré con un post de verdad no se preocupen.

y además le gustaban las plantas

noreply@blogger.com (mvc) — Mon, 06 Sep 2004 02:36:00 +0000

Revista Investigación y Ciencia hace 50 años,

"Trofim D. Lysenko, quien desde 1948 regía la botánica soviética y era un símbolo de la ciencia marxista, parece haber perdido su trono con la muerte de Stalin. Se le ha denunciado en una revista de botánica rusa y el órgano de la Academia de Ciencias Soviética. Science publicó hace poco una traducción de un notable documento del propio Lysenko, un panegírico de Stalin escrito para Pravda. En él, Lysenko atribuía todo el mérito a quién de verdad le correspondía. Stalin, revelaba, era el verdadero autor de las teorías de Lysenko: El camarada Stalin hallaba tiempo incluso para examinar detalladamente los problemas más importantes de la biología... El mismo corrigió el esquema de mi artículo Acerca del estado de la ciencia biológica, y me aportó directrices precisas respecto a la redacción de ciertos pasajes”

Cosey Talks

noreply@blogger.com (mvc) — Thu, 02 Sep 2004 06:34:00 +0000

Como complemento del post anterior una serie de declaraciones que recopilé de Cosey Fanni Tutti. No las voy a traducir esta vez. Lo hago por su bien. Esta comprobado que la gente que habla mas de un idioma es mas inteligente.

It's all been said so many times before. TG had served its function and as such there were differences on many levels between us all. It was a case of practising what we 'preached' if you like. We didn't suffer fools gladly and we wanted to experiment with new ideas without having to compromise our own beliefs. There seemed to be more compromising towards the end,just to keep the peace,and that's not what I would subscribe to. Breaking away gave everybody freedom,however traumatic it was at the time. The ending of dishonesty and of a false sense of self importance was a good thing. We were all great catalysts for each other while we were willing participants and I wouldn't change a thing about TG. It was the energy between us all that created it and then destroyed it . It was inevitable just by its volatile nature and the intensity of the inner passions in us all.

In our concerts we shift focus away from us constantly by using visuals. We want people to have an audio visual experience, not a 'them and us' situation. Our best gigs are those that feel like the whole room has gelled for that hour we play. We worked hard on removing 'personality' right from TG when we used the mirrors on stage so the focus was the audience. The uniforms helped in this way as did the lyrics which asked of people as much as they informed and we always demanded from those who came to see us (as we do now). It's about sharing that time together , not about consuming like a sponge or following and accepting blindly.

Punk happened shortly after TG but never offered anything other than a fashionable alternative to going to the disco and getting pissed at the weekend. It was as shallow as the disco scene that already existed. That problem has come back to haunt the music scene again. It's all money and control. It's a nasty insidious creature that gets a grip before you realise it's even there. That's what I learnt from our days with TG. I know that's a negative answer,but a truthful one. If we'd stayed with Industrial and bled TG dry we would all be better off now I suppose. But for what sacrifices along the way?.

I hate interference in my work, pressure that is just motivated by economic considerations is a real creative killer to me. My measure of success isn't calculated by sales, profits etc.

It’s going to be a lot of fuss and the next day will be just another day, but having said that I thin it’s great to have lived to see a new century begin. In fact the whole of my life has been privilged in so much as seeing the remnants of the Victorian era in my home town as a small child, the mods and rockers phase, hippies, skinheads, punks etc. I think our generation, me and Chris that is, have had a great time we still retain that drive to experiment and experience the new.

Chris & Cosey-Songs of Love and Lust (1984)

noreply@blogger.com (mvc) — Thu, 02 Sep 2004 05:48:00 +0000

Tenía la idea de que me había quedado algo por decir sobre este disco en mi anterior referencia a él y me dispuse a escribir este post. Mientras lo hacia, me di cuenta que, gracias a mi maravillosa capacidad de síntesis, en realidad lo esencial ya lo había dicho. Pero bueno, quiero igual hacer énfasis en algunos puntos que no me quedaron del todo desarrollados (o algo así).
Chris & Cosey son el 50% de Throbbing Gristle y todo eso, bla, bla, bla...(ya lo escribí antes).
Songs of Love & Lust muestra el perfil mas pop de C & C. La obra de Chris & Cosey puede variar mucho de un disco a otro (escuchen sino el otro disco que sacaron ese año, European Rendezvous, que es decididamente experimental). Pero si bien llegan a ser totalmente pop o totalmente avant garde se puede decir que se mantienen siempre dentro de una escala crómatica de un estilo propio mas o menos determinado que tiene que ver con una tematica que gira alrededor del sexo, la lujuria, la culpa, el pecado y la moral, y en lo formal con estructuras complejas y entrelazadas de psicodélica belleza matemática y también con una intensa búsqueda de sonidos nuevos. Este disco es algo así como Abba tries to fit in Kraftwerk estructures with Nico singing.

Una de las cosas más interesantes en que debería prestar atención las nuevas generaciones es el tratamiento sonoro de la banda y el resultado totalmente humano y emocional de los sonidos que extraen de sus maquinas y sintetizadores. Esto siempre fue una preocupación y búsqueda en C & C pero es en realidad no solo una característica de ellos sino de toda la generación de músicos industriales y electrónicos a la que pertencen, y es también, lo que los diferencia de las generaciones posteriores del género. Lo frío y automático (en el peor sentido de la palabra) de la mala música electrónica nunca se debió la “falta de humanidad” de los instrumentos solo a la falta de humanidad y talento de determinados músicos. Uno puede ser nulo emocionalmente con el más humano de los instrumentos*. Uno puede también vivir como una especie maquina automatizada y no como un ser humano. (Lo digo así, como de la nada).

*Si es que esto existe.

Chicks on Speed

noreply@blogger.com (mvc) — Thu, 26 Aug 2004 05:03:00 +0000

Este fin de semana no, el otro tocan en Montevideo (si, en Montevideo) las Chicks on Speed. En AFE. No sé cuanto sale. Como no escucho radio ni nada no sé cuanta promoción le estén haciendo al show, pero como me enteré de pura casualidad y como el grado de desconocimiento de este evento por parte de muchos de mis conocidos y amistades era grande hago esta especie publicidad gratuita bloggera para con el show.

Yo tengo un disco de ellas (Will save us all) que esta muy bien. Son como electroclash pero esta muy bueno* (ja!) y me supongo que hacen un show muy divertido y con lo aburrida que puede ser esta piojosa ciudad no habría que perdérselo. Vayan.

*Me da pereza analizar este disco de apuro, si me hubiese enterado antes.

Houserockin

noreply@blogger.com (mvc) — Wed, 18 Aug 2004 06:22:00 +0000

Aunque probablemente la gran mayoría de la población mundial no sabe de su existencia, Mick Collins es uno de los más interesantes, creativos y prolíficos músicos de rock de la actualidad. Ciudadano de Detroit, Collins comenzó su carrera musical en 1981 como tecladista de una banda new wave, U-Boats, para pasar luego en 1984 a ser el baterista de los Floor Tasters, agrupación de vocación post punk muy influenciada por Wire. Con ninguna de estas dos agrupaciones llegó a editar nada (aunque al parecer los Floor Tasters tenían material grabado como para dos discos). Al separarse estos últimos Collins dividía su tiempo haciendo música house con un amigo y en un proyecto experimental llamado Man Ray Man Ray, pero también iniciaría un trío junto a un guitarrista llamado Dan Kroha y a una baterista llamada Peg el que terminaría siendo su proyecto más conocido hasta la fecha: The Gories, donde Mick tocaba la guitarra y se hacia cargo de las voces en la mitad de las canciones.

Los Gories fueron una gran banda. Revitalizaron la escena y el género del rock de garage con su deliberado, excitante y primitivo punk-blues en la segunda mitad de los 80s y las consecuencias de su “suceso” se siguen sintiendo aún en nuestros días, sobretodo en el continente europeo y en su ciudad natal (supongo que más o menos saben a que me refiero). La banda se disolvió en 1992. Dan Kroha formo los Demolition Rod Dolls, Peg no sé que hace y Collins emprendió numerosos proyectos musicales: Blacktop (con Alex Cuervo, rock de garage algo mas elaborado que el de los Gories), The Screws (punk rock acelerado y gritón con su novia Terry Wahl, ex integrante de las subvaloradas Red Aunts), Yati Sanction, (combo que combina noise avant garde con el performance art), King Sound Quartet (punk noise estruendoso y colgado con Tim Kerr y Alex Cuervo), Now the Time Delegation (proyecto de “punkneosoul” con Lisa Kekaula de The Bellrays), The Voltaire Brothers (funk) y también continua su proyecto personal, Man Ray Man Ray, al que había abandonado cuando tuvo que dedicar todo su tiempo a los Gories.
Pero en realidad todos estos son “side-projetcs” ya que el proyecto principal de Collins son los terroristas sonoros The Dirtbombs (banda de particular formación donde canta y toca la guitarra acompañado por dos bajistas en permanente fuzz y dos bateristas) donde hereda influencias de Wire, Swell Maps y Pere Ubu. Es también parte de la Young Lions Consirancy y productor de todo tipo de bandas en su ciudad y en todo el mundo. En sus variados proyectos se puede encontrar una característica común: mantener y respetar el espíritu, energía e intensidad original de la tradición musical en donde se inscriben (rock n roll, blues, soul, punk, noise o lo que sea) pero al mismo tiempo intentar reformularla y experimentar con ella para llevarla hacia nuevos terrenos. Es más, a través de su obra se transluce la idea de que esos géneros deben ser reformulados y llevados hacia nuevos terrenos si quieren mantener la intensidad y espíritu original. Ah. Me olvidaba. Para los que no se dieron cuenta por las fotos, Mick Collins es una persona de color. De color negro. Es negro. Uno de los poquisimos negros en la actualidad que se dedica al rock.

Ahora para terminar, una serie de declaraciones de Collins que recogí de un par de entrevistas*. Ya me dedicaré más delante a escribir más específicamente de su obra. Las declaraciones tienen un par de años pero sirven segual. Collins tiene algo que decir y es una lástima que fuera de determinados círculos su voz no sea muy tenida en cuenta.

(sobre los Gories)
“No sabíamos nada sobre los instrumentos que tocábamos. Salvo una ocasión aislada yo nunca había tocado la guitarra seriamente. Peg nunca se había acercado a una batería antes (de hecho, yo le enseñe todos los golpes de batería que se escuchan en los discos de los Gories, porque yo sabía y ella no). Dan toco solo un acorde en una canción en una banda previa a los Gories, y casi todo lo que duró la banda, ese fue el único acorde que se sabía. Como yo había tocado la batería antes, decidimos que no lo haría en los Gories; tratamos deliberadamente de sonar primitivos: Leíamos reviews de discos en los fanzines de bandas que se suponían que sonaban muuuuuuy primitivas, pero cuando las cuando las escuchábamos sonaban como los Blue Magoos. Nos formamos para convertirnos en la más primitiva banda de R&B que nadie hubiese escuchado nunca, lo que no nos fue difícil de lograr ya que realmente no teníamos la más remota idea de como tocar. Originalmente iba a tocar el bajo, ya que nunca antes lo había hecho, pero después nos dimos cuenta que Dan no podía hacer un solo de guitarra ni aunque su vida dependiese de ello, así que empezamos intercámbianos los instrumentos en las canciones que necesitaban buenos solos, porque de alguna manera, los hacía bien. Pero luego nos dimos cuenta que yo no podía tocar acordes (y aún no puedo), así que decidimos dejar de lado el bajo, Dan tocaría todos los acordes y yo haría todas las líneas de notas sueltas”.

“¿Qué pienso del fin de los Gories?. Nada. No pienso en ello. Lo de los Gories pasó hace un siglo. Pienso en ello tanto como lo hago en mis años de estudiante de primaria, o sea nada.”

“Una de las cosas que me disgustan de las recientes bandas de garage-punk (el termino es en mi opinión poco significativo hoy en día, ya no hay bandas auténticas de garage-punk, dejemos pues que descanse en paz) es lo extremamente estúpidas que llegan a ser sus canciones, bochornosamente estúpidas. ¿Debo divertirme escuchando a una banda tocar veintidós canciones que van de follar y pelearse?. Cuando en las entrevistas me preguntan qué discos ando escuchando, nunca incluyo discos de punk rock. Gran parte de la escena underground punkrocker de estos tiempos me suena a música hecha por y para subnormales. Lo más triste de todo es que cuando preguntas a estas bandas por qué cantan canciones tan estúpidas la respuesta es por lo general: “Bueno, nuestra música es un reflejo de lo que vemos”. Vale, todos sabemos que el mundo está lleno de polución, corrupción, violencia y estupidez. Ya pasó el tiempo de cantar sobre ello: haz algo al respecto o cállate la puta boca. A nadie le interesa oír tus alucinaciones de borracho, deja esa mierda a las bandas de heavy metal. Se supone que el punk rock comprende rebelión. ¿Qué clase de rebelión hay en imitar la estupidez del mundo que te rodea?. !Eso no es rebelión, es conformidad de la peor especie!…A mí me parece que en un mundo que no tiene sentido, la única rebelión posible es vivir una vida que tenga significado para ti. ¿Entiendes lo que te digo?. Si todo el mundo a tu alrededor es un idiota, lo seas tu. Eso es rebelión”.

“(En la actualidad del rock ) hay tan poca gente negra hay dos razones. En primer lugar, muchos chicos negros no advierten que el rock n roll es esencialmente una forma artística de origen negro; si no has crecido escuchándolo, no es nada fácil dar el salto mental de Chuck Berry a Bush. En segundo lugar, y esto probablemente es más importante, los giradiscos son
más baratos que las guitarras”.

“Sun Ra y su Arkestra es, hasta la fecha, el más grande espectáculo en directo que he visto en mi vida. Escucho mucho más jazz que punk: Sony Rollins, John Coltrane y Jimmy Smiths han sido esenciales para mí”.

(sobre porque en los Dirtbombs hay dos bajos y dos baterías)
“Porque quería hacer algo que nadie había hecho hasta entonces, los Dirtbombs no son una banda de garage-trash-blues y quiero que la gente se entere de verdad, creo que todavía no lo han comprendido”.

“Soy un fan enorme de Captain Beefheart. Creo que su obra es simplemente...increíble. Creo que las únicas personas a las que no les gusta Beefheart son los puristas del blues, que escucharon su obra inicial, pero no pueden lograr conectarse con toda la experimentación que hizo después. Por consiguiente, él es, de alguna manera “falso”, en tanto que un “verdadero bluesmen” ocuparía todo su tiempo en aprender a Harmonica Slim nota por nota y no perdería su tiempo en tratar de ver a donde más el blues puede llegar...perdón, me ido por la tangente aquí. Una de las cosas que me gustan de Beefheart es a lo lejos que llego con su obra en relación con el resto de la música; como, aquí esta la música y aquí lejos esta Beefheart. Yo siempre he querido llevarlo al otro escalón, es decir, aquí esta la música, aquí esta Beefheart, y aquí esta lo que hago yo a partir de la obra de Beefheart. Bueno, supongo que la obra de Beefheart tiene que ver con las tangentes. Él es una tangente del blues, supongo que me veo a mí mismo como una especie de tangente del rock n roll, quizás una tangente del soul, o una tangente del “urban contemporary" (risas).”

*Número 184 del Ruta 66 (Marzo 2002) y esta.

Public Image Ltd-Live in Tokyo (1983)

noreply@blogger.com (mvc) — Wed, 11 Aug 2004 06:25:00 +0000

Una de las cosas que siempre me llamó más la atención de este disco es la muy elevada estima que se le tiene, por lo menos aquí en el Río de la Plata, por parte de las personas la generación anterior a la mía. Siempre me han hablado muy bien de este disco, sobretodo haciendo énfasis en el cariño que le tienen (“Un clásico” me dijo el que me lo vendió). Al mismo tiempo hay como un consenso en el ámbito de la critica musical mundial de considerar a este disco como más bien flojo y tirando a malo.
La primera explicación de esta dualidad de criterios surge especulando sobre circunstancias geográficas y temporales en que posiblemente se realizaron las primeras escuchas de este disco en esta zona del planeta. Si hasta hoy en día abundan las copias en vinilo de este disco debe ser porque que había muchas copias circulando en el momento de su edición y que por lo tanto fue un disco bastante difundido en su tiempo. Entonces uno deduce que esa alta estima que se le tiene al disco por parte de mis mayores (je) se debe a una causa puramente emocional y afectiva; Para muchos este disco les debe haber significado uno de sus primeros contactos con una música realmente excitante y cool. Así que por lo tanto no pueden hacer una valoración del disco “en sí mismo” y no logran separarlo del recuerdo de lo gratificante que fue escucharlo en su momento.

Es decir, casi pura nostalgia. Odio la nostalgia. Odio escribir sobre la nostalgia. Es por lejos mi sensación anti favorita.

(Aquí se abre un paréntesis: ¿Existe una escucha emotiva y otra más racional?. Por ejemplo: ¿es posible decir que un disco lo disfruto cuando le escucho pero si “lo pienso” en realidad no lo puedo considerar como un buen disco?. Si estas escuchas diferenciadas existen: ¿Es posible separarlas?. Y es más: ¿Sirve de algo separarlas?. Yo ya tengo opinión bastante formada al respecto, pero es algo más compleja de lo que puedo explicar en este momento y no me quiero ir por las ramas).

Volviendo al tema. Creo que el asunto no va solo por ahí. Supongo que hay algo de sentimentalismo en la apreciación positiva del disco, pero esta no se debe exclusivamente a una operación nostálgica. Creo que también va por otro lado la cosa. Para empezar a mí también me gusta mucho el disco y no me recuerda a nada, ni a nadie. Pero al mismo tiempo si me lo pongo a analizar fríamente el disco puedo decir que no se puede encontrar en el una interpretación notable e inspirada. Es mas bien mediocre y de lo más flojo que Lydon hay sacado nunca en su vida. Pero, aún así, me gusta mucho escucharlo y lo considero un buen disco. Y no solo porque lo peor de Public Image es mejor que lo de unos cuantos (aunque esto es también cierto).

El disco tiene una historia curiosa. Pero antes ubiquemos en ese momento de la historia de Pil. Corría el año 1983. Eran tiempos de transición en la carrera de la banda. Habían sacado tres discos increíbles y maravillosos: First Issue, Metal Box y Flowers of Romance. Los tres forman una trilogía invencible. Sumándolos al Nevermind the Bollocks se puede ver a este grupo de discos, dada su continuidad conceptual y al pertenecer a un solo proceso de evolución guiado por una autoreferencialidad formal y temática, como si se tratase de una sola obra. Casi se pude decir que los discos adquieren su total plenitud y sentido si se los considera dentro de ese conjunto y no por separado. * Estos discos se alimentaban de la emoción provocada por una búsqueda y riesgo constante. Una aventura que desafiaba al oyente en cada nueva entrega de la misma manera que los músicos se desafiaban a sí mismos lanzándose a encontrar de algo nuevo y excitante en cada paso adelante.
Pero la formación original de la banda y la que había generado esa obra no existía más. Primero Jah Wobble y luego Keith Levene dejaron la banda dejando a Pil como el proyecto personal de Lydon. Esto también se tradujo en un cambio en el rumbo de la banda que fue dejando sus ambiciones netamente experimentales para acercarse a un camino más “comercial” (que no es lo mismo que “convencional”). Live in Tokyo fue grabado exactamente en mitad de esa transición. De hecho las problemáticas sesiones del que seria el siguiente disco de la banda (This Is What You Want... This Is What You Get) ya habían comenzado pero estaban interrumpidas por la partida de Levene a la mitad de estas. Pero ya habían lanzado el single adelanto, This is not a love song, que a la larga terminaría siendo el mayor éxito comercial de la banda.
Decía que el disco había surgido de una manera curiosa. En ese momento de cambio había que cumplir con unas fechas ya pactadas en Japón. Lydon contaba en ese momento solo con el baterista Martin Atkins por lo que tuvo que juntar de apuro una nueva e improvisada banda. Lo que consiguió fue un grupo de tres limitados pero eficientes fans que le iban a hacer de grupo en estas presentaciones en Japón (anécdota: el tecladista fue expulsado de la banda luego de la gira por no ser “lo suficientemente bueno”). Bueno, la historia curiosa a la que hacia referencia es que este disco existe simplemente porque un grupo de japoneses le ofrecieron a Lydon dinero para grabar sus conciertos y así poder testear unos nuevos sistemas de grabación digital (Mitsubishi X-800 32ch). Como era plata fácil, no lo pensó dos veces, tomo el dinero y los conciertos fueron grabados. Así que el disco solo existe porque esta grabado. Nada más. En ese momento Lydon lo “promocionaba” diciendo “Don´t buy it”.

(Acá vendría el análisis del disco)

Esta imprevista formación de Pil interpreta los temas de una manera repetitiva, mecánica y aplicada. Esto podría convertirse en una virtud si se le busca una vuelta al asunto, pero como los temas del disco provienen de cuatro discos muy diferentes solo se lucen los temas en donde precisamente una interpretación repetitiva, mecánica y aplicada puede funcionar. Por ejemplo Annalisa del primer disco es básicamente un riff repetido en loop hasta al infinito con leves diferenciaciones de intensidad con Lydon gritando arriba por lo que la interpretación funciona muy bien. Lo mismo en This is not a love song. En cambio, por ejemplo, los temas de Flowers of Romance (un disco por varias razones esencialmente de estudio) lucen desahuciados y “mecánicos” en el peor sentido de la palabra. Hay algunos arreglos que lucen interesantes como la introducción de teclado en Religion. Pero en general no hay adaptaciones imaginativas a las versiones en vivo y más bien dominan traslaciones poco innovadoras. El guitarrista fulanito ni el bajista sultanito no llegan ni a los pies de la imaginación y creatividad de Keith Levene y Jah Wobble. Hay mérito si el bajista Louie Bernardi (ahora si le dije el nombre) luce firme y decidido en su enérgico continium de bajo, pero le falta el alma de Wobble. Como detalle final decir que la banda realizaba para ese tour una versión de Anarchy in the UK pero no esta editada.
Atkins aclaró en su momento que el disco se lanzó al mercado no por la calidad de los shows sino por la calidad de la grabación. El sonido es perfecto, mejor cualquier compact disc. La ironía de todo esto es que se trata de un sonido increíble captando una performance mediocre. Y casi en esto se pude decir que reside el encanto del disco. La valoración negativa del disco solo puede surgir de verlo en conjunto con el resto de la obra de la banda porque aquí, siendo recital comparativamente olvidable, algo sucede sobre el escenario. El disco capta un hecho artístico verdadero, vivo y emocionante y logra transmitir sensaciones autenticas. ¿Me entienden?. Es real, es crudo, es un disco de rock.

Ya en pleno détournment todo esto me recordó a la siguiente frase de Stewart Home con la que termino:

“Una cultura tan obsesivamente fijada en los discursos históricos está sumida en la mierda y no sabe dónde va. Una acusación igualmente seria de esta sociedad es que alguien que quiera leer un libro verdaderamente malo tenga que escribirlo él mismo, puesto que las mercancías sin vida que pueblan el mercado masivo son sin excepción inexorablemente mediocres.”

*Esta idea me la señalo el comentador tpsb en por conversación en Msn. Al César lo que es del César.